miércoles, 23 de febrero de 2011

Ismael Quintana: "Perú, espero que me quieran tanto como los quiero yo"
















entrevista cedida por EDUARDO LIVIA DAZA





Estamos exactamente a un mes del primer (y tal vez único) concierto que la Fania All Stars ofrezca en el Perú. Con tal motivo, y tal como lo anunciáramos, entrevistamos a Ismael Quintana, una de las estrellas más esperadas por los salseros peruanos.
Lo que sigue es solo la mitad de nuestra charla con Ismael (referida a su etapa con Fania), la primera entrevista que el sonero ha brindado a un medio peruano.
Acá, Quintana recuerda su ingreso y estadía en la disquera de Pacheco y Masucci.
Los invito a leer la nota y a escucharla completa, hoy a las 7:00 p.m. y mañana a las 2:00 p.m.
El Salsero: Amigos de La Radio de El Salsero, falta ya muy poco para que por fin veamos a las Estrellas de Fania en el Perú (19 de Marzo, Estadio de San Marcos). Esta es una de las entrevistas más especiales que hayamos hecho para este blog, ya que estoy comunicado con un personaje con más de cinco décadas en la historia de la Salsa. Hablar de Eddie Palmieri es hablar de Ismael Quintana y hablar de Ismael Quintana es hablar de Eddie Palmier, de Fania All Stars y de una carrera propia que se ha labrado con los años. Para mi es un privilegio, un honor estar conectado directamente con los EEUU, con el gran sonero, el gran cantante, muy querido por los peruanos y en general por todos los latinos, el gran Ismael Pat Quintana. Ismael, para mí es un honor darte la bienvenida a La Radio de El Salsero, a través del Internet, desde Perú para el Mundo.
Ismael Quintana: Bueno Muchas Gracias. El placer es para mí, tener el gusto de hablar con el pueblo del Perú, al que voy a tener el gusto de visitar por primera vez después de tantos años. Aunque haya sido con las Estrellas de Fania, que todos son mis compañeros y hemos recorrido el mundo. Hemos ido a Europa, hemos estado por todo el mundo, pero nunca habíamos llegado al Perú y me alegro mucho por esta oportunidad de poder visitar el Perú al que quiero muchísimo. Tengo muchísimos amigos peruanos aquí en los EEUU y es un placer estar con ustedes y visitarlos.
ES: Ismael, somos tal vez el primer medio de comunicación peruano que se comunica contigo ¿ o me equivoco?
IQ: No, tiene mucha razón, porque como yo digo, posiblemente en algún concierto que hemos hecho en otro lugar, he hablado con algún peruano. Pero francamente no recuerdo nombres. Para mí, esta es la primera vez que hablo directamente con un peruano
ES: Es un honor para mí, ser quien tiene este primer contacto y una de las preguntas que te quiero hacer es ¿qué te han contado, qué conoces de nuestro país? Tal vez algo de historia o musicalmente hablando
IQ: ¡Ay Bendito!, desafortunadamente, para serte franco, sé muy poco de su país. Como le digo tengo muchos amigos peruanos que viven aquí y hemos tenido contacto, pero como nunca he visitado su país y no he tenido el gusto de estar allá con ustedes, no he podido relacionarme mucho con Perú, pero tengo el placer y el gusto de poder hacerlo ahora a Dios Gracias
ES: Ismael, tú fuiste tal vez el último que se anunció en esta gira de Fania All Stars en Perú y te repito que para mí es un honor comunicarme contigo y quería saber si podemos conversar de tu carrera musical
IQ: ¡Cómo no!, con mucho gusto

ISMAEL QUINTANA Y LA FANIA
ES: Ismael ,tras doce años con Eddie Palmieri, ¿cómo es que decides firmar con Fania? ¿Fue difícil, lo pensaste mucho?
IQ: Bueno, eso fue muy fácil. Lo que sucedió es que Jerry Masucci en una ocasión me lo pidió y Pacheco, que en ese tiempo era dueño de la compañía con Jerry, también: “Ismael, firma con nosotros, nosotros queremos que tú grabes para nuestra compañía, haz lo que tú quieras, yo te traigo de Puerto Rico o de dónde sea los músicos que tú quieras, vas a hacer los arreglos, escoger la música. Tú vas a hacer todo lo que te dé la gana. Lo que queremos es que compartas con nosotros, que firmes con nosotros,”. Yo pensé, bueno si es así ¿qué puedo perder? A una persona que se le ofrece todo, que me digan: “haz lo que tú quieras, te tenemos confianza”. Entonces yo le dije: “Sí, cómo no Jerry” y por fin firmé. Varias personas me hablaron y me pidieron que me fuera con ellos pero yo estaba muy conforme y tranquilo y musicalmente de todas maneras estaba bien con Eddie Palmieri y pensaba “¿a dónde me puedo ir que me sienta tan bien como me siento aquí?” Pues nunca firmé con nadie. Y cuando Jerry me dijo vamos a hacer esto y aquello y los arreglos y la música, porque a veces muchas compañías quieren compartir eso, y “lo que tú quieras es lo que se va a hacer”, entonces hablé con Eddie y él fue muy lindo conmigo y me dijo “Ismael, haz lo que tú quieras, haz tus cosas, canta tus boleros”, porque a mí me gustaban mucho los boleros (risas) y los cantaba bien porque él era quien me acompañaba…y me dio la soltura y me ayudó mucho en tomar la decisión. Así fue que acepté por fin y por eso me fui y firmé con ellos, con Fania.
ES: Y el debut tuyo con Fania All Stars fue con “Mi Debilidad”
IQ: Exacto, ese fue el primer número. Jerry me dice: “¿Tú tienes algún número?” y le dije que tenía algo que había comenzado a escribir y lo tenía a la mitad más o menos y me dijo “pues termínalo para que lo hagas con nosotros cuando hagas tu LP” y así mismo fue, con ese número abrí con la Fania.
ES: Esa fue tu carta de presentación para Fania y el inicio de otra gran etapa en tu carrera musical
IQ: Cierto, no sé si fue una gran etapa. Lo que sí es que fue cosa mía, fue lo que yo sentí.
ES: En ese primer disco como solista también están “Traigo la Llave”, “No lo dejes así” un gran disco con un gran personal.
IQ: Es verdad, estuvo Papo Lucca. Como en todos mis discos Papo Lucca es mi pianista, yo tengo los dos más grandes pianistas que puedan tener en la Salsa que son Eddie Palmieri y Papo Lucca
ES: Con ellos grabaste la mayoría de tus discos…
IQ: Sí, Papo está en todo lo que yo grabé como solista y Eddie en todo lo demás
ES: Y en ese disco hay un hit que se llama “La Blusita Colorá”
IQ: Sí, ese es muy lindo. Ese número me lo dio un venezolano.Me gustó mucho, desde que lo oí yo dije “esto va a ser un palo”…y así mismo fue que la hice. Donde quiera que voy, bueno “donde iba”, porque yo estoy más o menos retirado (no salgo muy a menudo). En una de las últimas ocasiones que lo hice, fuimos a Colombia, el año pasado creo …
ES: …en el 2009…
IQ: Sí, creo que sí, lo hago de vez en cuando porque yo me retiré pues me dio un infarto al corazón…
ES: Sí supimos, fue el año 2003 que te operaste…
IQ: Sí, me remplazaron cuatro válvulas del corazón, pero aparentemente “el plomero” sabía lo que estaba haciendo porque todavía estoy aquí dando qué hacer (risas).
ES: En esa etapa de Fania también está el siguiente disco que es “Lo que estoy Viviendo”
IQ: Exacto…
ES: Donde está el tema “El Juez Final” otro tema con mucho mensaje, composición tuya
IQ: Sí, todas mis composiciones han llevado un mensaje y quiero que sea así porque la gente cree que la Salsa es música para “brincotear” y bailar. Pero me alegra que usted esté escuchando las letras de los números, porque todos los números que yo hago tienen mensaje, particularmente los que yo escribo.
ES: Ese tema “El Juez Final” me gusta muchísimo por la letra, a veces uno se siente con alguna desesperanza, con alguna inquietud pero tiene que saber que hay un “Juez Final” y como dice el coro “Él aprieta pero no ahoga” …
IQ: …¡pero no ahoga!, ten Fe y pídele siempre, no importa lo que tú tengas, Él te lo va a solucionar, te va a ayudar directa o indirectamente. Él tiene maneras de llegar hacia nosotros. Entonces escribí ese número “El Juez Final” y todos mis números tienen mensaje y lo hago para ayudar. Como usted lo escuchó, todo el que escucha la letra, así sea movido o sea bolero o sea lo que sea, lleva un mensaje y dice algo porque hay muchos números en que escriben disparates y escuchas en las inspiraciones de algunos famosos que increíblemente lo que dicen son disparates, no están pendientes de una solución, un mensaje, de decir algo y yo quiero estar seguro de que aunque haya dicho un disparate aquí o allá la mayoría de mis números llevan un mensaje y es para ayudar a la gente que necesita un mensaje que le dé inspiración, que les inspire a mejorar alguna dificultad que tengan.
ES: Incluso el titulo del LP dice mucho “Lo que estoy viviendo”…
IQ: Exacto, hice el número que se llama así, que tenía que ver con mi música, con mis viajes, con mis paseos por el mundo, porque pude tratar con mucha gente de diferentes religiones, de diferentes culturas, diferentes cosas y eso pudo abrir mi mente mucho y enseñarme muchas cosas sobre la vida, porque yo aprendí de ellos. Entonces puse en ello todas mis emociones para que ellos pudieran entender también algo y relacionarse con eso.
ES: Ismael, y el siguiente disco que tú haces también tiene un título muy bonito, porque se llama “Amor, Vida, y Sentimiento”, qué buen título.
IQ: Sí, ese número fue porque lo que grabé siempre fue así. Quise explicar el Amor con los boleros, la Vida y el Sentimiento, todo lo incluyo en todo lo que hago, entonces me pareció bonito ese título para ese disco y es uno de mis discos favoritos.
ES: Ahí aparte de Papo Lucca, es muy importante Luis “Perico”Ortiz
IQ: Claro que sí, Perico fue mi vecino cuando vivió en Nueva York unos años y compartimos mucho, tú sabes, allá. Pero Papo Lucca es mi hermano, es de tremenda ayuda, pianista, arreglista, compañero, tú sabes, un individuo increíble. Yo lo quiero mucho como si fuera mi hermano, yo no tengo hermanos pero si tuviera uno, quisiera que fuera como Papo.
ES: Qué bueno.También hay un disco que haces con un buen amigo mío al que conocí cuando vino acá a Lima, quien es Ricardo Marrero. El disco que se llama “Jéssica”.
IQ: Sí eso es muy cierto, esa fue idea de Jerry, Que en Paz Descanse, quien me dijo: “Yo quiero que tú grabes con este grupo, que tú seas el cantante” y entonces yo le escribí ese número a mi querida hija, que ya tiene tres chiquitos, tres varones, ya está casada y se graduó en la Universidad. Entonces escribí el número ese y otras cosas más que yo a veces ni recuerdo lo que hice (risas).
ES: Ahí también hay un tema muy bonito que se llama “No se Compara”
IQ: Exacto ese número lo escribió un amigo puertorriqueño, creo que es un tema muy lindo, porque habla de Puerto Rico y lo preciosa que es nuestra isla y menciona las cosas lindas y la preciosidad de nuestra isla que mucha gente no conoce. Entonces pues yo grabé esa canción y fue muy lindo, me sentí muy bien al hacerlo.
ES: Y con tu hermano Papo Lucca el año 83 sacaste al mercado “Quintana y Papo: Mucho Talento”, otro disco tremendo en tu carrera musical.
IQ : Sí ese nombre no se lo puse yo, no sé quién se lo puso, quizás Papo haya intervenido en eso. El nombre se lo pusieron ellos ¿“Mucho Talento” es que dice?
ES: Exacto “Mucho Talento”, donde está “Vamos, Háblame Ahora”
IQ: Bueno yo no puedo decir que tengo mucho talento…
ES: Si no lo dices tú, te lo digo yo, tú tienes mucho talento, al igual que Papo
IQ: Bueno muchas gracias. Como estábamos Papo y yo, alguien le puso “Mucho Talento” y creo que fue muy apropiado, muy lindo. Y el número que me dice usted, cómo se llama ¿“Háblame Ahora”?
ES: Es de Adalberto Álvarez, el cubano
IQ: ¡Tremendo número! Me gustaba mucho ese número, me gustaba mucho cantarlo también porque dice algo muy cierto, tú sabes, de una chica que tú has dejado y le quieres dejar saber que tú la quisiste y que la quieres y que no sabes por qué ella te dejó, pero habla de muchas verdades de la vida y es muy lindo musicalmente, líricamente y en todos los aspectos.
ES: También hay otros muy bonitos, uno romántico que se llama “Un Valentín”, hay un tema de Roberto Angleró, “Dónde están los rumberos”, hay otro “¿Quién Dijo?”, “Voy Caminando”, un disco muy completo también.
IQ: Sí, siempre trato de hacer eso, siempre trato de hacer un disco variado, para que haya un poquito de todo, para que haya para los salseros, para el romántico, para que todo el mundo pueda compartir y gustarle algo de ese disco y compartir conmigo.
ES: Ismael, hay un disco que este año cumple 30 de lanzado al mercado y es el famoso “disco blanco” de Eddie Palmieri, que es una especie de reencuentro tuyo con Eddie y con Cheo Feliciano. Bajo la licencia “Bárbaro” de Fania, sacan ese disco donde hay solamente cinco temas. ¿Te acuerdas de ese trabajo? ¿cómo fue que te invitaron a cantar en ese disco?
IQ: Es que grabábamos muchas cosas en ese tiempo, grabando y tocando, grabando y viajando. Así que hicimos muchas cosas y yo no sé cómo lo iban a utilizar o cuándo. Yo era cantante de Eddie y las cosas las hicimos muy a gusto los dos, porque no s gustaba nuestro trabajo, nuestra música. ¿Qué números aparecen ahí’ Yo no sé los números de los que ustedes me hablan.
ES: Ahí hay cinco canciones, Cheo canta “El Día Que Me Quieras”, “Ritmo Alegre” y “Páginas de Mujer” y tú escribes (junto con Eddie) y cantas dos temas “Ven, Ven” y “No me Hagas Sufrir”.
IQ: “Ven, Ven” y “No Me Hagas Sufrir”…las recuerdo pero no me acuerdo dónde las utilizaron. No sabía que en ese disco blanco que me está diciendo usted.
ES: Eso lo sacaron el año 1981.
IQ: ¿1981? Hace bastantes añitos ya (risas)
ES: Ismael, con Fania All Stars ¿qué sitios del mundo has visitado?
IQ: ¡Ay bendito!, hemos visitado por ejemplo Sud América, fuimos a Venezuela, a Chile, a Colombia, ahora a Perú. En Europa hemos estado en Londres, París, en Africa, en Kinshasa, Japón, he tenido la dicha de viajar por todo el mundo.
ES: En ese disco de Fania en África, hay una parte en que tú estás cantando “acapella” con Héctor Lavoe , un fragmento de un bolero, ¿te acuerdas de eso?
IQ:¡Hombre!, me acuerdo muy bien porque yo lo he visto por la computadora, fue que Héctor estaba cantando y entonces yo me le acerqué al lado y le hice la segunda voz y ambos hicimos eso, eso fue en el camerino, ahí salimos cantando y lo hicimos “acapella”, de corazón, nos salió a ambos.
ES: ¿Qué recuerdo tienes de Héctor Lavoe? Acá en el Perú lo quieren mucho.
IQ: A Héctor lo quieren donde sea, tenía un carisma increíble, pero desafortunadamente no se cuidó, no vamos a entrar en detalles pero uno tiene que cuidarse mucho y saber lo que está haciendo y con quién andas, a veces las amistades lo perjudican mucho a uno. Uno tiene que tener fuerza de voluntad y saber lo que está haciendo. Yo tengo tres hijos y uno es jubilado del ejército norteamericano. Es Ismaelito, el menor, el segundo que se llama David, por él es que estoy en Colorado y mi nena que se casó y vive en Pensilvania. Tengo ocho nietos, siete son varones y una nena.
ES: Tú estarás de acuerdo conmigo: lo principal es la familia, ¿verdad?
IQ: Seguro que sí, es lo principal. Para mí siempre fue lo primero. Tengo una señora con la que cumplimos 52 años de casados
ES: ¡Qué bendición de Dios, Ismael!
IQ: Gracias, es una buena mujer, muy buena madre, siempre se quedó en la casa, nunca estuvo persiguiéndome como hacen muchas mujeres que persiguen especialmente a los músicos y cantantes, pa’ arriba y pa’ abajo y qué estás haciendo. Nada de eso. Siempre fue una mujer para mí y sabía que yo era de ella y soy un hombre como cualquiera, pero siempre la quise mucho y la respeté y por eso hemos durado 52 años.
ES: Qué lindo mensaje de vida Ismael. Dos preguntas finales. De la etapa con Fania, en estudio hay dos temas que tú hiciste que me gustan mucho. Uno es en el Homenaje a Tito Rodríguez haces “Fue en Santiago” y después, tú que has hablado tan bien de tu hermano Papo Lucca, vocalizas un homenaje que le hacen “Piano Man”. Coméntame un poquito de esos dos discos.
IQ: Bueno para serte franco, aparte de cantarlas, no tuve nada que ver con eso. Vamos a empezar con Papo. A Papo le escribieron ese número que es homenaje al Piano Man. Yo con mucho gusto lo canté y por supuesto como pueden darse cuenta se lo dedico a él, porque es tremendo pianista, tremendo músico y tremenda persona. Me dio mucho gusto tener la oportunidad de cantar eso, y dedicárselo a él y grabarlo con las Estrellas de Fania, que es lo máximo. Así que fue muy lindo, muy lindo mensaje y muy linda grabación en la cual compartí allí.
ES: Y el tema de Tito Rodríguez “Fue en Santiago” y te lo pregunto porque tú conociste a Tito y hay una historia muy bonita que dice que Tito, aunque no te conocía, te admiraba.
IQ: Yo veía a Tito en los bailes, a veces compartía con La Perfecta y nos pasábamos bajando la tarima y él subiendo. Me decía “hola Ismael” y yo “hola Tito”. El único contacto que tuve con él en la última grabación que hizo antes de morir, Que en Paz Descanse, me habló por primera vez y pude conocerlo más, teníamos los carros estacionados en el mismo lugar y en el estudio compartí por primera vez con él y entonces Louie Ramírez, ¿conoces quién es Louie Ramírez?...
ES: Claro el gran productor y músico que también estuvo muchos años vinculado con Fania
IQ: Ese mismo, y al último fue el director de la orquesta de Tito Rodríguez. Si no lo sabías, ahora lo sabes. Y él fue quien me dijo “¿Tú sabes que Tito es tu admirador?” y yo le dije: “¿que Tito es fanático mío?, ¡¡¿¿mío??!!, ¿¡¡tú estás seguro!!?”. “Sí, Tito te admira mucho, admira como tú cantas, como utilizas la clave, muchas cosas de tu canto, de tu manera de ser, él es muy admirador tuyo”. Y mucho me alegra porque yo soy muy admirador de él, es muy bonito saber que tú tienes el respeto de alguien a quien tú admiras.
ES: Bueno Ismael yo te quiero agradecer porque así como tu admirabas a Tito Rodríguez, nosotros aquí los salseros en Perú te admiramos muchísimo. Falta un mes para que estén ustedes aquí en Perú y vas a ver cuando tú llegues, todas las muestras de cariño que te vamos a brindar a ti y a todas las estrellas de Fania. Han pasado 40 años para que al fin la Fania llegue al Perú y esto va a ser, creo yo, inolvidable para nosotros y esperamos que para ustedes los artistas sea igual. Yo te quiero agradecer mucho por esta deferencia, por la gentileza, por la paciencia que has tenido para conversar con nosotros. Para contarnos tu gran carrera musical y quiero de verdad expresarte mis más sinceras gracias por estos minutos y te dejo los micrófonos de La Radio de El Salsero para tu despedida y para que invites a toda la gente para que el 19 de marzo esté en el Estadio de San Marcos viendo a la Fania All Stars y a Ismael Quintana.
IQ: Quiero darte las gracias a ti por darme el privilegio de que escuchen lo que yo pueda decir sobre mi carrera y de todo lo que hablamos. Me alegro mucho por la oportunidad de poder llegar al Perú y llevarle lo poquito que le pueda llevar a esa gente, a quienes quiero mucho. Porque el hecho de que yo no haya ido no quiere decir que no los quiero y conozco mucho peruanos. Los quiero mucho de corazón y voy a tener el gusto de conocerlos personalmente, así que espero que ustedes me quieran tanto como yo los quiero a ustedes.
ES: Ismael, Gracias de nuevo
IQ: A la orden mi hijo, Gracias por todo y espero tener el gusto de conocerte personalmente.
Transcripción (y algo más) por Norma Livia Daza

jueves, 17 de febrero de 2011

Marc Anthony hizo vibrar a la gente en Arequipa



Fuente: Correo, Perú

Fue un concierto inolvidable. Ni el viento helado, ni el frío de la noche pudieron menguar las ganas de cerca de 40 mil almas que se dieron cita ayer para ver, oír y cantar junto a uno de los intérpretes más famosos de la música, Marc Anthony, quien desde su ingreso hizo vibrar de emoción a todos los asistentes.
Salió al escenario cerca a las 23:30 horas, apenas asomó su figura el estadio Monumental de la Unsa, vibró de emoción y júbilo. Los gritos ensordecedores, los silbidos y los aplausos no pararon por largos momentos. Las jovencitas extasiadas de alegría, gritaban a viva voz frases cariñosas a su cantante favorito.
"Estoy muy contento de estar nuevamente en el Perú, espero que todos bailen y gocen con mi música", fueron las palabras del divo Marc Anthony.
Sin duda fue una noche que quedará en el recuerdo de miles de personas.
"Ahora quién", "Y cómo es él", "Vivir lo nuestro", fueron algunos de los temas que interpretó el astro de la música, que fueron acompañados por las miles de voces del estadio.
SOMOS MOLLENDO. La reconocida orquesta Somos Mollendo inició esta cita con la música. La orquesta abrió las puertas al concierto con el tema "María Magdalena" de la Charanga Habanera, poniendo de esta manera el calorcito y el swing a la noche.
EVA AYLLÓN. “O linda Arequipa, la novia adorada, que bella y esbelta vestida de blanco te veo al pasar, con tu prometido, el Misti dormido...”, fue parte de la canción con la que al promediar las 22:30 horas se presentó nuestro orgullo nacional y voz símbolo del Perú Eva Ayllón quien deleitó al público con lo mejor de su repertorio.
El concierto quedará marcado en la historia de la música arequipeña, como uno de los más espectaculares de los últimos tiempos.

Fuente: El Comercio, Perú
Cientos de arequipeños que adquirieron sus entradas para el concierto que esta noche dará el salsero Marc Anthony en el estadio de la UNSA, en Arequipa, protestaron en los alrededores de este recinto, pues al llegar desde las 5 p.m. no encontraron las puertas abiertas como se había indicado.
Recién, pasadas las 6 p.m., cuando la aglomeración era mayor así como el pesar de los asistentes, se dispuso el acceso al campo que ha sido habilitado para unas 40 mil personas.
Según informó el corresponsal del diario El Comercio, Carlos Zanabria, el salsero ha permanecido dentro del hotel Libertador, en el centro de Arequipa, donde se hospedó tras arribar a la Ciudad Blanca, la madrugada de hoy en su avión privado.
Por su parte, Milagros Mejía, jefa de prensa de la organización del concierto, explicó que los accesos al recinto deportivo se empezaron a abrir desde las 4:45 p.m. y que esta medida se aplicó no en simultáneo pero sí de manera escalonada.
Con el cantante boricua arribó un equipo de 90 personas entre músicos, personal de seguridad, representantes así como una comitiva privada. Todos se trasladaran al estadio de la UNSA en tres camionetas con lunas polarizadas que serán escoltadas por dos patrullas y dos motos de la policía local.
Para el concierto de hoy está programado un “setlist” que incluye sus mejores temas así como las canciones que promociona de su último álbum.
MARC ANTHONY HIJO ILUSTRE DE AREQUIPA
Según indicó la organización, el intérprete de “Se me sigue olvidando” fue declarado Hijo Ilustre de Arequipa por el alcalde provincial Alfredo Zegarra.
En la cita con el burgomaestre, horas antes del recital, el salsero puertorriqueño recibió como presentes el pasaporte arequipeño y el Characato, la moneda de la Ciudad Blanca.

Mamá de Marco Bermúdez soño el triunfo de su hijo

Gladys Brito (derecha) junto a su hijo Miguel Antonio (izquierda)revisando el album familiar
Fuente: El Universo, Ecuador. Por: Neptalí Palma
El orden y la pulcritud es lo que destacan en el domicilio de Gladys Brito, madre del cantante Marco Bermúdez Brito ganador del Grammy en la categoría Mejor Disco Tropical, junto a la Spanish Harlem Orchestra. Los cuadros de su hijo y afiches de agrupación también son notorios en la vivienda, asentada al ingreso de la parroquia San Pablo, en Portoviejo.
Su progenitora está feliz por el segundo éxito conseguido por su hijo en el Grammy (el primero fue en el 2004), y cuyo logro, aseguró, lo predijo horas antes de la ceremonia. “Yo soñé con ese triunfo y lo llamé y le dije: papito, tú eres el ganador y él me respondió: que Dios te escuche,
madrecita. Y yo le reiteré que lo presiento y esa percepción no me falló”, señaló Brito, quien recuerda con amor a su Patojito, como le dice a Marco, esto porque el cantante es pie plano.
Tras el triunfo, apenas dos conversaciones ha tenido Brito con su hijo y en el primer contacto telefónico, Bermúdez le dedicó el triunfo a su madre, por la paciencia y el amor que le puso para enseñarle a cantar a corta edad. El talento Bermúdez lo lleva en la sangre, pues es descendiente de Filemón Macías, compositor del pasillo Tejedora manabita, sobrino de Eduardo Brito Mieles, quien con su interpretación inmortalizó el considerado himno de esta provincia: el pasillo Manabí, y también primo hermano de Magdalena del Valle Macías, una manabita que se destacó en obras teatrales en Venezuela.
Brito rememora que apoyar a Marco y a sus otros hijos, Eduardo y Miguel Arturo le significó varios encontrones con su extinto esposo, Eduardo Bermúdez, pues él no era del agrado que sus hijos se dedicaran a la música. Dijo que aprovechaba los viajes que hacía su cónyuge a otras ciudades –debido a que era empleado de Contraloría– para alistarles ternos y textos de agradecimiento a sus hijos para que intervinieran en lides musicales. “Cuando mi esposo llegaba de sus recorridos ahí era el encontrón, pero le hacía entender que los chicos podían llegar lejos y no me equivoqué”.
Del famoso grupo infantil Los hermanitos Bermúdez-Brito –integrado por Eduardo, Marco y Miguel Antonio– quedaron los trofeos ganados en certámenes como Los Barrios Cantan en
Diciembre. Pero los años pasaron y ya los jóvenes se dedicaron a cantar a más de pasillos, boleros y tangos y también melodías que siempre tarareaban en su domicilio: las canciones de Héctor Lavoe, Celia Cruz, Andy Montañez y otros tantos artistas, que por cosas del destino años después, en algunos casos, fueron compañeros de shows internacionales.
Pero no todo fue fácil para Eduardo y Marco, quienes migraron en 1983 a Chicago, Estados Unidos, con el nombre de la orquesta Los Profetas. Estando en el país del norte decidieron quedarse y para subsistir debieron laborar en nigth clubes de lunes a lunes, sin parar. Y fue ahí donde laborando con artistas como Rubén Blades, Orlando Contreras, los hermanos Arriagada,
Rolando La Serie, y otros, se ganaron un nombre, principalmente Marco, quien era un experto en el soneo y timbales, un mérito que incluso se lo reconoció el extinto Tito Puente.
Miguel Antonio, hermano de Marco, el único de los tres músicos que se quedaron en Ecuador, alabó el trabajo tesonero de su hoy reconocido familiar, y de quien guarda una anécdota, cuando el 6 de diciembre de 1982, la agrupación que ellos dirigían, Vibración, fue contratada por los vecinos del barrio México en Quito para rendir homenaje a la capital en sus fiestas de fundación.
Aquella noche, un fuerte aguacero cayó en la vecindad. Pese a todo eso, los organizadores ubicaron una carpa para que los artistas no se mojaran ni se dañara el espectáculo. “Pero la lluvia nunca paró y seguimos con el show. Fue tanta nuestra alegría que junto a mi hermano Marco, con quien cantábamos, decidimos bajar de la tarima y cantar en la pista con los vecinos de ese
barrio que nos trataron con tanto cariño y el show terminó a las 06:00 del día siguiente. Eso sí, todos empapados pero alegres”, relató Miguel Antonio.
Mientras dialogábamos con los familiares del ganador del Grammy, este llamó para conversar con sus parientes. Dijo que aún no asimilaba tanta alegría, pues el Grammy es el sueño que todo artista desea cumplir y que a diferencia del obtenido en el 2005, este fue muy especial, pues tuvo la oportunidad de subir al estrado a recoger el premio y dirigir unas cuantas palabras al público.





En los primeros años en Estados Unidos, junto a su hermano Eduardo




Ahora sus metas están fijadas para los premios Billboard latinos para el 28 de abril, en los que la Spanish Harlem Orchestra interviene en la categoría Mejor álbum Tropical del año. Competirá con Aventura, Gilberto Santa Rosa, el Gran Combo de Puerto Rico y el grupo 24 Horas.
El triunfo obtenido hizo que se modificara su venida a Ecuador el mes próximo –algo que aún no descarta–, pero sí desea con todo su corazón estar en octubre en Portoviejo para celebrar sus 50 años de vida, el 20 de ese mes. Dice que lo quiere celebrar junto a sus familiares para saborear los platos típicos de esta tierra. Él indica que sigue siendo el mismo Patojito, que ganaba concursos radiales, el abanderado del colegio Cristo Rey, de Portoviejo. El mismo que debía alquilar instrumentos musicales para cantar en conciertos. Dice que sigue siendo el mismo a pesar de que se ganó el Oscar de la música.
Datos
Por el trabajo de su padre en la Contraloría, Marco Bermúdez Brito nació en Quito el 20 de octubre de 1961. A los dos meses sus progenitores se trasladaron a Portoviejo, donde él creció y se forjó como cantante.
Hace tres semanas la Spanish Harlem Orchestra debía presentarse en El Cairo, pero debido a los problemas políticos se suspendió la gira. Según Miguel Antonio Bermúdez, a su hermano solo le falta cantar en los polos Norte y Sur, pues en todos los continentes ha dejado en alto el nombre de Ecuador.
A más de Eduardo y Miguel Antonio, Marco tiene otro hermano, José Julio, que no se dedica a la música. Un sueño que anhela cumplir Marco es cantar en Manabí junto a la Spanish Harlem Orchestra. El año pasado lo hizo en Guayaquil.
El manabita ya alista cuatro nuevas melodías del próximo trabajo discográfico que tendrá la reconocida orquesta, que en las próximas semanas iniciará una gira en Francia.

EDWIN CLEMENTE LE RINDE TRIBUTO A SU TIO ROBERT CLEMENTE



Fuente: Primera Hora, Puerto Rico. Por: Rosalina Marrero-Rodríguez
Para Edwin Clemente, el bate era el equivalente a los palos con los que desde adolescente comenzó a golpear el timbal.
“Sé lo que quieras ser, pero sé el mejor”, fue el consejo que recibió a sus 11 años por parte de la leyenda del béisbol puertorriqueño.
Edwin Clemente tiene claro en su memoria el trágico día que un accidente de avión cobró la vida
de su tío. Pero, prefiere no hablar de ello, sino honrarlo con un trabajo que considera que es su jonrón musical: el álbum ¡Viva Clemente!
El proyecto que comenzó a forjar en 1996 es de “fusión” dentro del universo rítmico del latin jazz.
Reúne 12 composiciones, algunas de éstas de la inspiración del propio percusionista en colaboración con Ricardo Lugo, su hijo Luis Clemente, Richard Trinidad, Humberto Ramírez y Tito Rivera.
“Es cultura, porque tiene ritmos de aquí y nos va a representar internacionalmente”, resaltó Edwin Clemente en conferencia de prensa ayer.
Del repertorio, que contó con la participación de 39 músicos y siete arreglistas, el también productor del disco selecciona el tema que sirve de título y Spider Night como sus preferidos.
Como invitados intervienen los percusionistas Paoli Mejías y William “Kachiro” Thompson; los pianistas Luis Marín y Richard Trinidad; los bajistas Ricardo Lugo y Tony Batista; los trompetistas Piro Rodríguez y Tommy Villarini; los trombonistas Víctor Vázquez y Gamaliel González; los saxofonistas David Sánchez y Frankie Pérez; los vocalistas Yanira Torres y Josué Encarnación y el cuatrista Edwin Colón Zayas, entre otros.
“Es un músico muy humilde y muy exigente en su música, y por eso esta prop
uesta musical es garantizada”, destacó el arreglista Richard Trinidad.
A las palabras de apoyo se unió el percusionista Paoli Mejías, quien, por su parte, aplaudió la técnica “superlimpia” de su colega instrumentista.
Edwin Clemente contempla presentar su música en cada parque, escuela o plaza con el nombre de su tío.


Fuente: El Nuevo Día, Puerto Rico. Por Marcos Billy Guzmán
Un año antes de fallecer en un accidente aéreo, el reconocido pelotero boricua Roberto Clemente le dio un importante consejo a uno de sus sobrinos.
“Mi papá quería que yo fuera pelotero, pero mi talento estaba en la música. Y mi tío me dijo: ‘Sé lo que tú quieras ser, pero sé el mejor’”, dijo el ahora percusionista Edwin Clemente en torno a la recomendación que nunca olvidará del ex deportista de las Grandes Ligas.
Por eso, el timbalero decidió dedicarle su tercer disco, que lleva preparando desde el 1996. El resultado de ese prolongado esfuerzo, según explica, se refleja en “la mejor y más intensa producción” de su carrera.
“Se la dediqué, porque a él le gustaba mucho la música, pero nunca me pudo ver tocar... El destino no lo dejó. Su partida nos afectó mucho. (Este disco él) se lo merece y se hizo con mucho amor”, indicó sobre el proyecto que cuenta con músicos como el trompetista Humberto Ramírez, el pianista Richard Trinidad, el bajista Richard Lugo, el saxofonista David Sánchez, el percusionista Paoli Mejías y el cuatrista Edwin Colón Zayas.
El álbum “3D Zone: ¡Viva Clemente!” contiene 12 canciones que fusionan el jazz con ritmos caribeños como la bomba, la plena y la salsa. Para el instrumentista, “esa mezcla de ritmos está de moda” y, por esta razón, quiso lanzar la obra ahora después de tantos años.
Con el fin de “llevar la música a otro nivel” y “educar sobre la tradición de nuestro pueblo”, el artista considera que “este excelente disco nos va a representar internacionalmente y debe estar en todos los hogares de Puerto Rico”.
Como ejemplo, el maestro de percusión del Departamento de Cultura de San Juan destaca el tema “Viva Clemente” que, según entiende, “narra la historia de la Isla, desde los taínos hasta los africanos”.
Éste, como casi todos los cortes del álbum, es instrumental. Sin embargo, “3D Zone: ¡Viva Clemente!” también incorpora las voces de Wichy Camacho, Yadira Torres, Rubén Roman y Josué Rosado en los sencillos “For You”, “Borinquen” y “Spider Night”.
“Va a marcar el principio de una generación de músicos que tenemos ahora y que se dedica a estudiar música como debe ser. Sé que vendrán muchos discos como éste que pondrán a Puerto Rico en el mapa”, mencionó.
“La idea es llegar a la juventud para seguir abriendo caminos a nuevos estilos. Al menos, ya sé que le ha gustado a las personas que no adoran el latin jazz. Era una visión que tenía y sé que tendrá éxito”, añadió, mientras su colega Paoli Mejías elogiaba “la técnica impresionante, las composiciones vanguardistas y las complicadas métricas en sistemas distintos” de la producción

LIZZIE LIZZIE :NUEVO DISCO ACOMPAÑADO DE LOS DURISIMOS



Fuente: El Nuevo Día, Puerto Rico. Por Damaris Hernández Mercado
Para la cantante cristiana Lizzie Lizzie el título de su nueva producción “Indescriptible” resultó el nombre perfecto para su junte con los denominados “Reyes de la Salsa”.
Y es que la vocalista con cinco años de trayectoria, aún no concibe cómo pudo grabar una producción musical con los veteranos Richie Ray & Bobby Cruz. Para la intérprete puertorriqueña, radicada en Florida, es un “sueño del cual no desea despertar”.
El encuentro entre Bobby y Lizzie se dio de manera casual durante una entrevista radial en Florida. Allí, mientras la cantante esperaba para ser entrevistada, Cruz escuchó el tema “Amor Platónico” que Lizzie grabó en un álbum anterior (Quién soy yo) en honor a una de la canciones más emblemáticas de “Los Durísimos”, Juan en la ciudad.
“Él lo escuchó y yo estaba asustada. Al terminar. Él (Bobby) preguntó: ‘¿quién está cantando? Quedó muy bonito y me gusta su voz’. Mi esposo le hizo el acercamiento para grabar Juan en la Ciudad, pero con Richie Ray & Bobby Cruz, porque de lo contrario no sería Juan en la Ciudad. De lo que iba a ser un tema, entonces grabamos más. Aún no he despertado, esto es un gran sueño, no me lo creo”, recordó la vocalista cristiana que en su más reciente proyecto discográfico integró once temas en los géneros de merengue, bachata, salsa y bolero.
Por su parte, Cruz enfatizó que quedó muy sorprendido con la “voz melodiosa” y el talento de Lizzie, pero lo más que le impresionó fue la calidad musical de sus producciones anteriores.
“Es un trabajo muy profesional. Lo que escuché era bueno. No tenía nada que temer en hacer algo que la calidad no fuera la esperada”, precisó Cruz, quien como compositor aseguró que sólo escucha música clásica y jazz para no contaminarse con otros estilos musicales.
Aunque la vocalista cristiana reconoce que en el género del merengue es donde más cómoda se siente, grabó cuatro temas con los “Reyes de la salsa” en salsa y boleros. Estos son: Juan en la ciudad, Hombres, Tengo Derecho y Romance perfecto, éste último primer sencillo promocional.
De lleno en el Pop rock
Este proyecto no es el único que Richie & Bobby realizan con la cantante cristiana que asegura ser sanada de meningitis, tuberculosis y el síndrome de Antifosfolípidos por la gracia de Dios. En las próximas semanas comenzarán a grabar una producción de Pop rock cristiano. “Esto será algo nuevo y engrande”, concluyó Cruz.


Fuente: Primera Hora, Puerto Rico. Por: Frances Tirado
La merenguera sacra Lizzie Lizzie se siente como si estuviera en un sueño, tras haber tenido como invitados en su disco Indescriptible al insigne dúo salsero Richie Ray & Bobby Cruz, de quien es admiradora.
Este junte se dio gracias a la gestión del esposo y manejador de la vocalista, Rubén Arvelo, quien no sólo logró que Bobby Cruz se presentará en su programa radial El expreso de la tarde de Radio Revelación 88.1 FM, sino que también le hizo el acercamiento para grabar un cover de su clásico Juan en la ciudad, y terminó participando en su disco.
“Yo todavía no me lo creo. Todavía no me cae el 20, no me siento en la realidad. Éste es el comienzo de grandes cosas que van a suceder”, manifiesta la cantante.
En cuanto a su disposición para cantar con Lizzie Lizzie, Bobby Cruz asegura a Primera Hora estar “muy viejo para eso (celar su música para grabarla con otras figuras). Tanto a Richie como a mí nos gusta trabajar”, sostiene.
“Trabajar con ella es fácil, lo que ella necesita es exposición y nosotros se la vamos a dar”, dice al tiempo que reitera que en un pasado tanto él como su compañero musical lo hicieron con Nydia Caro en el álbum Los durísimos y yo; y con Vicky Vimarie en cuatro producciones musicales.
Hombre, Juan de Dios, Romance perfecto y Tengo derecho son las letras de Richie Ray & Bobby Cruz que Lizzie Lizzie ha incluido en su proyecto musical para el cual también ha trabajado Bonny Cepeda.

El pianista, compositor y arreglista ingles George Shearing, autor de 300 composiciones, entre ellas el clásico tema “Lullaby of Birdland”, falleció el ultimo lunes 14 a las 01:00 a.m. en Manhattan a la edad de 91 años.
Nacido de una familia muy humilde en el área de Battersea en Londres el 13 Agosto 1919, fue considerado un niño prodigio debido a su facilidad para aprender a tocar piano a pesar de ser ciego de nacimiento. El menor de nueve hermanos, George estudió música en el Linden Lodge
School for the Blind, una escuela especial para invidentes e incluso formó parte, con once años de edad, de un grupo musical compuesto totalmente por músicos ciegos.
No pudo continuar sus estudios por tener que trabajar como músico en distinto locales de Londres. Gracias a su amigo Leonard Feather, escritor y crítico de jazz, tuvo su primera oportunidad de tocar en la BBC.
Durante la Segunda Guerra Mundial, el joven George tocó junto al violinista francés Stephane Grapelli, quien por esos años radicaba en Londres. Años después Grapelli le contaría al escritor
Leonard Feather que él y Shearing “tocaban durante los ataques aéreos, lo cual no era muy divertido”
En 1941 se casó con Trixie Bayes, con quien tuvo una hija, Wendy. Shearing se divorció de su primera esposa en 1973 y dos años después se casó con la cantante Ellie Geffert.
El invidente pianista llegó a Estados Unidos en 1947 precedido ya de una fama ganada en su tierra natal y formó su famoso quinteto dos años después, obteniendo su primer gran hit con el tema "September in the Rain", grabado para la MGM.
En 1952 compuso la que sería su obra más famosa “Lullaby of Birdland”. Por su quinteto, el cual mantuvo hasta 1978, pasaron figuras de la talla del vibrafonista Cal Tjader, el percusionista Armando Peraza y el contrabajista Al Mac Kibbon
El "Lullaby of Birdland" lo han grabado muchísimos intérpretes, entre ellos "El Rey" Tito Puente, quien lo hizo en su disco Mambo Diablo (1985), contando con el mismo Shearing en el solo de piano .Otro músico latino que grabó este standard del jazz fue el gran Louie Ramírez en su disco Tributo a Cal Tjader:
En su discografía destacan títulos como:
Shearing In Hi-Fi (MGM 1955),
George Shearing Caravan (MGM 1955),
An Evening With George Shearing (MGM 1955),
The Shearing Spell (Capitol 1955),
Velvet Carpet (Capitol 1956),
Latin Escapade (Capitol 1956),
Black Satin (Capitol 1957),
In The Night (Capitol 1958 - George Shearing and Dakota Staton),
Burnished Brass (Capitol 1958),
Blue Chiffon' (Capitol 1958),
Latin Lace (Capitol 1958),
George Shearing On Stage (Capitol 1959),
Latin Affair (Capitol 1959),
Beauty And The Beat (Capitol 1959 - George Shearing and Peggy Lee),
On The Sunny Side Of The Strip (Capitol 1959),
Satin Affair (Capitol 1959),
White Satin (Capitol 1960),
The Swinging's Mutual (Capitol 1961, George Shearing and Nancy Wilson),
Mood Latino (Capitol 1962),
San Francisco Scene (Capitol 1962),
Love Walked In (Jazzland 1962 - George Shearing and The Montgomery Brothers),
Rare Form (Capitol 1965),
Latin Rendezvous'' (Capitol 1965)
Nat King Cole Sings/George Shearing Plays
Mel Tormé and George Shearing: An Evening at Charlie’s
Mel Tormé and George Shearing: A Vintage Year
Mel Tormé and George Shearing: Mel & George “Do” World War II
Back to Birdland
The Rare Delight of You John Pizzarelli and The George Shearing Quintet
George Shearing and Hank Jones
George Shearing & Ernestine Anderson: A Perfect Match
George Shearing and Barry Tuckwell Play The Music of Cole Porter
Swinging In A Latin Mood
Music to Hear
Like Fine Wine
George Shearing/Cannonball Adderley Quintets... George Meets The Lion...
It's Easy To Remember
Just For You: Live In The 1950s
Jump For Joy
Christmas With The George Shearing Quintet
My Favorite Things Satin Affair/Concerto For My Love
By Request
Walkin'
Once Again: That Shearing SoundHow Beautiful Is Night
I'll Take Romance
I Hear A Rhapsody: Live At The Blue Note
The Shearing Touch
Breakin' Out
Dexterity
Grand Piano
Live At The Cafe Carlyle
Alone Together
Blues Alley Jazz
On A Clear Day
My Ship
The George Shearing Trio
The George Shearing Quartet
Out Of This World
Burnished Brass/Satin Brass
In The Night
The Shearing Piano
The Shearing Spell/Velvet Carpet
I'll Take Romance
Midnight On Cloud 69 (Deluxe)
Mellow Moods Two For The Road
George Shearing & Friends
In Dixieland
Black & White Satin
Quintessentially Shearing
First Edition
Live At The Forum, Bath 1992
Paper Moon: The Songs Of Nat "King" Cole
The Shearing Spell
On The Sunny Side Deep Velvet/Old Gold and IvoryGet HappyHere & Now!/New Look!
Deep Purple: Close Harmony…
Timeless
En este video aparecen George Shearing y el tumbador Armando Peraza:
Aunque no fue mencionado por el NARAS, Shearing fue co-intérprete de los discos ganadores del Grammy: An Evening With George Shearing and Mel Torme (1983) y Top Drawer (1984), junto a Mel Torme.



Durante su carrera musical, Shearing trabajó con figures de la talla de Tito Puente, Nancy Wilson, Nat "King" Cole, Marian McPartland, The Boston Pops, Peggy Lee, Billy Taylor, Don Thompson y Sarah Vaugd.

el disco Mambo Diablo (1985) de Tito Puente, donde Shearing toca el paino y hace un solo en su composición "Lullaby of Birdland", arreglada por José MaderaEntre los reconocimientos a su carrera están el documental “The Shearing Touch” que se presentó en la televisión británica. En 1975 recibió un Grado Honorario en Musica del Westminster College en Salt Lake City. Otros reconocimientos similares los obtuvo en 1994 del Hamilton College de New York y en 2002 del DePauw University en Greencastle, Indiana. Fue invitado por los presidentes Ford, Carter y Reagan a tocar tres veces en la Casa Blanca de los Estados Unidos
En Mayo 1993 recibió el Ivor Novello Award for Lifetime Achievement, equivalente británico al Grammy y el año 2005 publicó su autobiografía titulada “Lullaby of Birdland”, tras lo cual la disquera Concord publicó el disco doble Lullabies of Birdland.: A Musical Autobiography, y el álbum Hopeless Romantics, con Michael Feinstein.
En Marzo del 2004 fue hospitalizado tras sufrir una caída en su casa, tras lo cual se retiró en definitiva de la actividad musical profesional.

El 13 Junio 2007 la Reina Isabel II de Inglaterra lo nombró Caballero por su contribución a la música. En esa ocasión el pianista dijo: “es increíble recibir un honor por hacer algo que amo y me gusta absolutamente”
¡Que en Paz Descanse Sir George Shearing!


lullaby of birdland aqui TRES videos en el you tube sobre este tema:

GEORGE SHEARING


TITO PUENTE


LOUIE RAMIREZ

el siguiente es un articulo de:José Arteaga, Oye Como Va: el mundo del jazz latino. La Esfera de los Libros, Madrid, 2004.
"George Albert Shearing Brightman nació ciego el 13 de agosto de 1919 en Battersea, Londres. Era un chico alto, bien parecido y dispuesto a todo por abrirse camino en el mundo de la música. Por eso sus padres, James Phillip y Ellen Amelia lo inscribieron en la escuela Linden Lodge para que estudiara piano y leyera partituras mediante el método braille. Así descubrió a Bach y a Lizt. Cuando cumplió 16 años le llegó su primera oportunidad profesional en una orquesta conformada solamente por músicos invidentes y dirigida por Claude Bampton. Así descubrió a la Original Dixieland Jazz Band.
Un poco más tarde, cuando su piano empezó a destacarse entre sus compañeros, fue contratado por las bandas de swing de Bert Ambrose y Ted Heath. Así descubrió los discos de cuatro pianistas revolucionarios del jazz de los años treinta: el intenso Earl "Fatha" Hines, el sutil Thomas "Fats" Waller, el elegante Theodore "Teddy" Wilson y en especial el delicado Arthur "Art" Tatum, de quien le decían que también era ciego, aunque no totalmente como él. De esa forma, con intensidad, sutileza, elegancia y delicadeza, desarrolló el uso de la mano izquierda, la llenó de frases sincopadas como ellos, y la convirtió en un soporte para realizar mayores variaciones con la derecha.
La fama de Shearing creció como el humo cuando lo contrató uno de los músicos más eminentes del swing londinense de los 30, el violinista francés Stéphane Grappelli. Shearing, que ya había actuado en locales nocturnos como el Mason Arms y clubes como el Rhythm, acabó tocando con Grappelli en los shows de la BBC y la revista Maker lo eligió como el mejor pianista del país, justo antes de estallar la Segunda Guerra Mundial y dejarlo esperando el final del conflicto armado en los estudios de grabación del sello Decca.
La relación entre Shearing y Grappelli no pudo ser mejor. Compartieron noches de giras de hilaridad. En la misma habitación y con la luz apagada, Grappelli se despertaba asustado por las risas de su compañero que leía relatos de humor en braille. En alguna ocasión el violinista le preguntó cuál era el libro que más lo había marcado, y Shearing le contestó que el de mayor escozor era un rallador de queso que alguien puso en sus manos.
Cuando terminó la guerra se fue para Estados Unidos. Fue, tocó con el crítico, promotor y pianista Leonard Feather, se paseó por la efervescente calle 52, subió al escenario del Three Deuces, palpó las bondades del be-bop, grabó un par de discos para el sello Savoy, dejó unos cuantos temas cedidos para que fueran grabados por otros músicos y volvió convencido de las oportunidades que podía encontrar en ciudades como Nueva York y Los Ángeles. El enfrentamiento entre el Sindicato de Músicos de Gran Bretaña y la Federación Americana de Músicos estaba en su apogeo y él no iba a esperar a que se solucionara. De modo que una vez más empacó sus maletas y convenció a su esposa para que iniciaran la aventura americana de forma definitiva en diciembre de 1948.
Su primer contrato resultó ser en el Clique y fue allí que Shearing se metió de lleno en los dominios del be-bop. El pianista inglés tocaba entonces con dos acompañantes, el baterista Denzil Best y el bajista John Levy, pero los dueños del local, Sammy Kaye e Irving Alexander, a quienes había conocido cuando tocó en el Three Deuces, lo convencieron para que le sumara un saxofonista al pequeño grupo que abría las sesiones del Birdland. El impacto de Charlie Parker, los éxitos de la naciente fórmula cubop y la necesidad perentoria de revivir un sitio alicaído, hacían necesaria tal inclusión para cualquier empresario que se respetara en aquellos días. Así que muy pronto ingresó a su conjunto un hombre de New Jersey, Buddy de Franco.
Pero De Franco no tocaba el saxo, tocaba el clarinete y aunque ese sonido le imprimió el toque suave que Shearing buscaba, la sociedad no duró mucho. Cada uno se sentía con derecho prioritario sobre la razón social de la agrupación y está pasó de ser el Shearing-De Franco Quartet a el De Franco-Shearing Quartet con demasiada facilidad para el gusto de ambos. La firma de un contrato por parte del pianista con la MGM y del clarinetista con el sello Capitol determinó la ruptura y una especie de sensación de abandono y soledad por parte de Shearing.
Fue entonces que Leonard Feather le sugirió al inglés que ampliara el formato, que hiciera un quinteto y que para suplir la carencia del clarinete, pusiera dos instrumentos que irían bastante bien con su sonido a mitad de camino entre el swing y el be-bop. Así llegaron la vibrafonista neoyorquina Marjorie Hyams y el guitarrista de origen eslavo Chuck Wayne. El resultado fue un be-bop muy cool que impactó a todo el ambiente jazzístico, hasta tal punto que Barney Josephson, dueño del Café Society, un local de Greenwich Village, los fichó para sus noches de jazz elegante en el elitista downtown de Manhattan.
En poco tiempo, el quinteto de George Shearing marcó la pauta de ese nuevo sonido, más suave, menos estridente, más light y menos hard que ofrecía la ciudad. Para demostrar su impacto grabaron dos discos en menos de un mes. De los doce números incluidos, cuatro llegaron a los primeros lugares del hit parade radial: September in the Rain, Rose of Picardy, I'll Remember April y East of the Sun. Esa noche del 17 de febrero, cuando terminó la segunda sesión, la vida de George Shearing cambió.
Shearing volvió al Clique convertido en estrella, aunque el club de la 53 ya había cambiado de dueños y de nombre. Se llamaba Birdland y era el sitio moda. Allí, acomodado en una posición privilegiada, conoció a Parker y trabó amistad con Machito. Se dejó envolver por la locura del cubop y escribió un tema para el lugar, Lullaby of Birdland. Y fue durante esa larga etapa de convivencia en la meca del jazz, que conoció a dos hombres vitales en su música y en la música: el bajista Al McKibbon y el vibrafonista Cal Tjader...".


domingo, 13 de febrero de 2011

Lavoe: The Untold Story” la pelicula de Anthony Felton


Fuente:lanaciondominicana.com

Luego de cinco años de haberse filmado y tres más de producción, por fin se estrenó el 8 de febrero la película “Lavoe: The Untold Story”, en el Cine Metro de Santurce con la presencia de un reducido grupo de los actores del elenco, entre éstos se encontraban el protagonista, Raúl Carbonell, hijo; Joanna Vargas, Reynaldo Alvarado y la senadora Evelyn Vázquez, que en la cinta hace el papel de la madre del cantante.
Las grandes ausentes fueron la cantante India, que caracteriza el papel de Priscila (hermana de Lavoe), por encontrarse en Texas, y la actriz mexicana Patricia Manterola, que caracteriza a Carmen, la primera esposa de Lavoe, y quien según el productor de la cinta, Anthony Felton, tenía un compromiso de trabajo en California.
“ ‘Por fin’ debe ser el título de la película. Vamos a ver si las expectativas del público se cumplen. No la he visto, soy un fiel seguidor de Héctor Lavoe y su trayectoria y le envío mis mejores deseos a esta producción”, comentó Carbonell, quien estuvo acompañado de su esposa Denise Betancourt y sus padres Carmen y el actor Raúl Carbonell.
Sobre las comparaciones surgidas entre la película “El cantante”, protagonizada por Marc Anthony y Jennifer López, y “Lavoe: The Untold Story”, el productor no pudo ocultar el coraje que éstas le provocan y salió en defensa de su filme.
“ ‘El cantante’ es un periódico de ayer”, sostuvo el productor, quien culpó a la falta de dinero por el demorado estreno.
“Nunca le tiro a otra película porque soy un cineasta, pero la diferencia de las dos películas es que Jennifer López y Marc Anthony escogieron a un cubano que no sabe de salsa, que no conoce la cultura puertorriqueña para dirigir y escribir su película, y ese fue su primer fallo. El segundo es que en nuestra película contamos desde que Héctor nace hasta que muere.
En nuestra cultura hay un abuso de la droga, todo el mundo sabe que Lavoe abusaba de los estupefacientes y me confesó que le gustaba. Entonces cuando llega a la Fania All Stars, que era una farmacia de droga, y él estar bien con todo el mundo cogió por el camino que no debía”, indicó el cineasta.
La actriz Joanna Vargas tuvo el reto de caracterizar a “Puchi”, esposa de Lavoe que hizo Jennifer López en su filme.
“Es totalmente diferente. Mi Puchi es una mujer fuerte que se crió en Nueva York con una educación que no es de libros y que solamente se aprende en Nueva York. Soy nacida y criada en Nueva York, como ella, por eso parecemos una misma persona. Con esa voluntad es que ella conquistó a Lavoe, porque Carmen no lo pudo hacer”.
Evelyn Vázquez ya había sido electa como senadora cuando hizo su incursión en el cine como Carmen, la madre del salsero.
“Fue un 11 de noviembre hace más de un año, un día muy especial porque estaba celebrando mi natalicio. Irónicamente muero ese día en el personaje. Fue una combinación de emociones porque mientras celebraba la vida, estaba muriendo como la madre de Lavoe”, comentó Vázquez acompañada de su unigénita Andrea Carolina Juarbe, de 15 años.

DANNY DUEÑAS PRESENTA PAGINA WEB

La pagina esta dedicada especialmentepara los fanaticos de hector Lavoe y Frankie Ruiz y tambien como pagina web que contiene recopilacion de paginas amigas salseras. que informan noticias actualesy ediciones especiales.
Es para los fanaticos,una pagina con los videos entre ellos muchos dificiles de hallar en el mercado, dado su empeño en buscar siempre rarezas.lo ha llevado hacer un coleccionista muy requerido por fanaticos de todo el mundo para el intercambio de videos.felicitaciones Danny y que sigan los exitos.el enlace para poder visitar su pagina web: WWW.COLECCIONDESALSA.COM

que sigan los progresos DANNY DUEÑAS

ENTREVISTA A NICKY MARRERO


Fuente: Diario Correo, Perú
"Quiero una clase intensiva de cajón peruano"
Dato
Nicky Marrero promete a los peruanos un show inolvidable con la Fania All Star, el 19 de marzo en el Estadio San Marcos. "Será mi primera visita, pero no la última. Estoy seguro de que esa noche será mágica. Allá nos encontramos pronto", expresó.
Cuando los timbaleros eran liderados por el gran Tito Puente hizo su aparición en la escena musical Nicky Marrero, un chamaquito que logró establecer con los años un estilo propio, imitado por muchos artistas en el mundo, convirtiéndose en una leyenda viva.
Nicky vendrá por primera vez al Perú con la Fania All Star y para saludar a sus seguidores conversó ayer telefónicamente con Correo.
"Mis compañeros me han dicho que los peruanos son muy cariñosos y el país una constelación de atractivos. Iré por tres días, pero me gustaría quedarme una semana completa para hacer turismo y conocer Machu Picchu. Tengo grandes amigos de Perú como Carlos Pelusa del Carpio, Lucho Cueto y Álex Acuña, aunque mi comunicación con ellos es más por internet", indicó el consagrado percusionista.
"La crítica especializada me ha tratado muy bien, pero no me considero una leyenda. Soy un humilde servidor del público, así soy feliz. Es cierto que tengo mi propio estilo musical porque desarrollé mi talento junto a prestigiosos maestros que me permitieron ejecutar algunas innovaciones para encontrar un criterio rítmico particular.
MI AMIGO LAVOE
Marrero no quiso olvidar en esta charla a su gran amigo Héctor Lavoe, su cómplice de mil aventuras. "Hemos grabado mucho tiempo juntos, era un tipo muy humilde y con un amplio sentido del humor. Era muy cómico cuando salíamos y gastaba varios bromas", agregó.
DAME UN CAJÓN PERUANO
Su amor por la música lo ha llevado a pasear su talento con varios géneros musicales. Además del jazz y la salsa, también ha practicado con ritmos brasileños, el tango argentino y valses peruanos. "Hace muchos años me regalaron un cajón peruano, pero ahora está medio rajado. Cuando llegue a Lima quiero clases intensivas para ofrecer un pequeño número y de esta manera rendir homenaje a un pueblo con tanta tradición. Yo me adapto con todos los ritmos y el instrumento que ustedes tienen ofrece melodías intensas que me fascinan�, sostuvo.
ALEJADO DE VICIOS
Pese a la formalidad que exige su trabajo docente en conservatorios, Nicky Marrero siempre tuvo una imagen divertida e informal. Durante una época enfrentó a fuertes tentaciones como las drogas y el alcohol, pero supo salir adelante y vencer a estos vicios que lograron desaparecer de la escena musical a muchas estrellas. "A veces nos desviamos con cosas que no tienen importancia en la vida. Traté de buscar un equilibrio y salir del lado oscuro. Ahora mi corazón está entregado a Dios y escucho consejos de gente que me ama. El respeto volvió a mi vida y vivo en paz", enfatizó.

sábado, 12 de febrero de 2011

ENTREVISTA A ADALBERTO SANTIAGO



Fuente: Diario La Primera, Perú
Adalberto Santiago ha confirmado su presencia en Lima junto al más grande combo de salsa. En su carrera destaca haber sido vocalista de la orquesta del genial Ray Barreto, haber formado parte de La Típica 73 y Los Kimbos y de grabar un disco con el talento nacional “Melcochita”. Además de la salsa dura ha incursionado con éxito en la salsa romántica y ha impuesto el éxito “La noche más linda del mundo”.
-¿Qué le parecen los salseros peruanos?
-Cuando voy allá me acompañan músicos y coristas muy buenos. Hicimos algunos conciertos en el Callao. Hay una calidad de músicos muy buena.
-Usted y Melcochita grabaron un disco.
-Hay un disco que se llama “Salsa Sudada”.
-¿De qué año?
-Caramba, yo te digo que eso será por los 80’s.
-¿Qué nos puede decir de él?
-El es comediante naturalmente pero como decimos acá, musicalmente “tiene su tumbao” (risas)
-Muchos hubiéramos querido ver a Ray Barretto en este concierto. ¿Qué recuerdos tiene de él?
-Con Barretto he tenido mucho éxito. Tremenda persona. Es mi padre musical. Era una persona muy organizada y aprendí mucha disciplina con él. Nos ha dejado un legado bonito.
-En los 70’s eran comunes las “tiraderas” (menciones burlonas a otros músicos en las canciones), como aquellas entre usted y José Alberto “El Canario”. ¿Hubo alguna rivalidad con él?
-No. En la Música todo se vale (risas). No ha habido ninguna rivalidad. Los músicos son todos hermanos. Nos encontramos de vez en cuando y cuando lo hacemos lo celebramos muy bonito. La Música es de “Papá Dios” y hay que respetarla.
-¿Cómo nació la idea de grabar “La noche más linda del mundo”, canción que suena bastante?
-La casa disquera me enseñó la canción, la escuché y me encantó ese número. Es de Lolita de la Colina, una compositora mexicana. Gracias a Dios, aparte de la salsa “dura”, como dicen ustedes o la “salsa gorda” (risas), pues la salsa romántica me ayudó bastante en mi carrera. Ambas están pegadas.
-En todo caso, ¿con cuál se siente más cómodo, con la salsa dura o la romántica?
-Te diría que el cantante no se debe enamorar de un solo número. Cuando uno hace Música tiene que hacerlo con gusto. La romántica es más cómoda para cantar, de hecho, porque es más o menos sencilla, pero no quiere decir que no me guste. Hay que ponerle cariño.
-¿Cuál es el concierto más intenso que usted ha tenido con la Fania All-Stars?
-Lo que se grabó en Puerto Rico el 94 que está por ahí en DVD fue uno de los mejores conciertos de la Fania.
-Sus saludos a los miles de salseros peruanos que están expectantes de este concierto de la Fania All-Stars en Lima.
-Aquí Adalberto Santiago los invita a todo el público peruano, y a los que no son peruanos también porque hay muchos venezolanos o Colombianos, a toda esa gente salsera a que estén con nosotros. Les envío un apretón de manos. Que Dios me los bendiga siempre y gracias.

ISMAEL QUINTANA TAMBIEN LLEGA CON LA FANIA ALL STAR




UNA ESTRELLA MÁS EN EL FIRMAMENTO
ISMAEL QUINTANA SUMA SU TALENTO A FANIA ALL STAR
Este 19 de Marzo el Estadio San Marcos será el escenario que reunirá a las más grandes figuras de la salsa, todos ellos reunidos en Fania All Stars, un combo musical que no deja de sumar estrellas.
Y es que, por si fuera poco con el amplio cartel que ya nos ofrecía, ahora se une al nutrido elenco de Fania All Stars el sonero ISMAEL “PAT” QUINTANA, quien ganó celebridad como cantante de la banda de Eddie Palmieri, con quien impuso muchísimos éxitos. Una asociación que cimentó un estilo vocal poderoso y que se ha convertido en emblema de la salsa dura.
Luego Quintana continuaría como solista en grabaciones que son tesoros para los mayores coleccionistas. Ahí están además sus colaboraciones con Papo Lucca y Ricardo Marrero y por supuesto sus grabaciones con Tito Puente. Su aparición en la película “Salsa”, de Fania All Stars, interpretando “Mi Debilidad”, se ha convertido en un standard para la salsa más brava.
Desde entonces, Quintana se hizo frecuente en el famoso escuadrón salsero e incluso se dio el lujo de grabar otro éxito con Fania: “Piano-Man”.
El concierto de Fania All Stars en Lima será motivo y emotivo, pues se celebra los 40 años del emblemático concierto que esta gran banda realizó en el club Cheetah de Nueva York. EL MAS GRANDE CONCIERTO DE SALSA realizado en nuestro país con todas las estrellas de la FANIA ALL STARS llega el próximo 19 de marzo al Estadio de San Marcos. Las entradas están a la venta en TELETICKET de Wong, Metro, Boticas y Salud y en 4 tiendas Ripley (San Miguel, San Isidro, Jockey Plaza y Asia). Habrá un descuento del 20% hasta el 25 de Febrero (con tarjetas y efectivo). Los precios están desde 44 a 312 nuevos soles. Una cita que ningún amante del género debe perderse.

viernes, 11 de febrero de 2011

Entrevista a Poncho Sánchez

PORTADA DEL DISCO QUE POSTULA AL GRAMMY









Con el grupo de Cal Tjader en el vibrafono Poncho Sanchez en las congas

















por :EDUARDO LIVIA DAZA http://www.radioelsalsero.com/







El próximo domingo 13 se realizará la entrega de los 53 Premios Grammy.Uno de los artistas nominados es "El Conguero" Poncho Sánchez, con quien tuvimos la oportunidad de contactar semanas atrás, para hablar tanto de su disco que postula en la categoría Mejor Album de Jazz Latino (Psychedelic Blues), como de su carrera musical, su única visita a Lima y sus proyectos.A continuación nuestra charla con Poncho....Es realmente un privilegio estar comunicado con uno de mis héroes musicales. Cuando la música latina cambió de estilo en los 80s, el Latin Jazz fue una especie de salvavidas y una manera de mantener la tradición. Uno de los personajes que llevó la bandera desde entonces y que tres décadas después se mantiene aún vigente es Poncho Sánchez y tengo el privilegio y el gusto de estar comunicado con él.







Eduardo Livia (ES): Poncho te saluda Eduardo Livia para La Radio de El Salsero.







Poncho Sánchez (PS): Gracias Eduardo estoy encantado de estar con ustedes, vengo de Los Angeles pero estoy ahora con mi grupo en Nueva York , donde hace mucho frío.







ES: Yo quería empezar felicitándote por esta nueva nominación con tu más reciente trabajo el Psychedelic Blues (PB), que estuvo nominado al Grammy Latino y ahora está postulando para el Grammy americano. ¿qué tal la expectativa, cómo ha sido el recibimiento de este trabajo?







PS: Muy bien. Fíjate Eduardo, ya llevo treinta años con mi grupo y tengo como veinticinco CDs afuera y esta es la sétima vez que estoy nominado. Me siento muy bien, muy orgulloso de esta nominación, el CD se llama Psychedelic Blues, tiene bastante de Jazz Latino y también tiene un poquito de Salsa con la selección que se llama “Con Sabor Latino”, un tema de un músico cubano que se llamaba René Touzet. También hay una selección de Willie Bobo, que tocaba los timbales, tenía su grupo y también tocó con Cal Tjader y Mongo Santamaría. También en este CD nominado tengo temas de Freddie Hubbard, de Herbie Hancock el Cantaloupe Island, así que un poquito de Jazz Latino y un poquito de Salsa.







ES: Poncho, ese tema que mencionabas al comienzo, “Con Sabor Latino”, me decías es una composición de René Touzet que en los años 50s y 60s lo usaba Chico Sesma, un personaje de la radio latina como tema característico de su programación radial.







PS: Sí es verdad. Yo soy el más joven de once hermanos, somos once en mi familia y cuando estaba muy chico, mis hermanas escuchaban la radio todo los días en mi casa y era la estación en la que salía Chico Sesma. Él era un DJ y también músico, tocaba el trombón, tenía un big band, tocaba Jazz y música Latina en los 60s. Fue el primer DJ en Los Angeles que tocaba música Latina en ese tiempo y esa selección “Con Sabor Latino” fue escrita para él por René Touzet, músico cubano que tocaba piano y dirigía en Los Angeles “La Orquesta de René Touzet”El músico y DJ Lionel Chico Sesma







ES: Poncho tú también mencionas un tema de Freddie Hubbard, quien desde hace poco ya no está con nosotros, y que fue uno de tus primeros invitados en tu disco Cambios, me acuerdo mucho. Para este tema que se llama “Crisis” y que está en tu nuevo disco, está de invitado una estrella del Latin Jazz que es Arturo Sandoval. ¿ Qué tal estuvo esta colaboración de Aturo contigo?







PS: Arturo Sandoval es muy amigo mío, nosotros hemos tocado juntos muchas veces, la primera vez que toqué con él fue hace veinticinco años. Yo estaba en un Festival de Jazz en Cerdeña, Italia, y Dizzy Gillespie y Arturo Sandoval tocaron con mi grupo en ese tiempo. Cuando vino de Cuba fue primero a mi casa en Los Angeles, del aeropuerto a mi casa hace como veinticinco años. Lo conozco muy bien, es muy amigo mío. Todo el mundo sabe ahora que es un trompetista tremendo, que toca muy alto. Cuando yo grabé la selección “Crisis” lo invité para que toque con nosotros y me dijo “claro que sí Poncho” y tocó muy bien en esa selección.







ES: Poncho, antes de seguir con el disco PB quería que me cuentes tus antecedentes. Mencionaste que eres el menor de once hermanos. Tus padres eran mejicanos pero tú naciste en Laredo, Texas. ¿ Alguno de tus hermanos o familiares se han dedicado a la música o tú eres el único?







PS: De los once, nada más yo soy músico (risas), pero a todas mis hermanas y hermanos les gusta mucho todavía la música latina que ahora se llama Salsa. Recuerdo que ellos escuchaban la estación de Chico Sesma y compraban los discos de Joe Cuba, Machito, Tito Puente, Tito Rodríguez, la Orquesta Aragón de Cuba. En mi casa escuché todos esos discos cuando tenía como siete u ocho años, yo estaba muy joven pero todos los días mis hermanas bailaban esa clase de música. Y todavía hoy a ellas les encanta y salen a los bailes con sus esposos y sus amigos y me van a escuchar. Todavía les gusta la música mucho pero yo soy el único músico.







ES: Sí Poncho y en tú música se escucha mucho esa influencia de la música afrocubana, porque tú eres uno de los que mejor representa esa mezcla del Jazz Americano sin perder la música bailable. Por ejemplo uno de tus discos en vivo se llama “A Bailar”. A veces el Latin Jazz no está hecho para bailar, pero en la música de Poncho Sánchez sí se nota mucho ese toque latino, caribeño de lo que nosotros llamamos Salsa.







PS: Sí Eduardo, eso es porque así yo me crié, con esa clase de música. Yo nací en Laredo Texas pero me crié en Los Angeles y ahí escuchaba mucho black music, soul music, rhythm and blues, el bebop, el Jazz, música de Dizzy Gillespie, Chano Pozo, John Coltrane, Miles Davis, Art Blakey and the Jazz Messengers y también escuchaba música mejicana, música norteña, música de los mariachis y también la que se llama ahora Salsa que antes se llamaba música cubana o Mambo y Cha Cha Chá. Me crié con esa música.







ES: Poncho tú eres un autodidacta. Sabemos que tocas flauta y guitarra aparte de la percusión. ¿ Por qué escogiste la Conga como tu instrumento?







PS: Fíjate Eduardo, ahora yo ya no toco la guitarra ni la flauta, mis dedos están muy gordos para tocar la guitarra, tanto pegarle a esta tumbadora todos los días (risas)…. A todos mis amigos en los 60s, les gustaba Los Beatles, Los Rolling Stones y la música de Jimmy Hendrix, el Acid Rock music. Pero a mí no me gustó tanto, me gustó la música de Machito, Tito Puente y todo eso, ¿verdad?. Y yo les decía a mis amigos “oigan, ¿no les gusta la música de Tito Puente?” y me decían “esa música es para los viejos” (risas). Pero ahora esos amigos me dicen “Poncho, tú estabas muy adelantado” “you were ahead of your times”, pero Eduardo, me gustaba tanto esta música que la sentía en mi corazón cuando estaba muy joven.







ES: En tu experiencia musical hay un personaje muy importante que es el gran Cal Tjader, uno de tus ídolos cuando empezaste a escuchar la música de Jazz. ¿ Cómo llegas Poncho a pertenecer al grupo de Cal Tjader allá por mediados de los 70s?Poncho Sánchez (congas) con el grupo de Cal Tjader (vibráfono)







PS: Wow! Fíjate Eduardo, es muy interesante porque yo era un gran fanático de su música por mis hermanos, ellos tenían los discos de Cal Tjader y yo los escuchaba todos los días cuando estaba muy joven. Yo aprendí a tocar las congas y un amigo de Cal estaba en un baile en Los Angeles, en el que yo tocaba con un grupo de muchachos; un grupito no muy grande. El baile era de puros latinos y yo me decía: “mira a este hombre, es güero, es americano, está acá con toda la música latina, es muy extraño”. Resulta que se acerca y me pregunta por mi nombre y me dice “soy Ernie Steels y soy amigo de Cal Tjader, estuve en la guerra con él. El era médico durante la Segunda Guerra Mundial y le voy a hablar de ti”. En ese momento no le creí. Pasaron dos semanas y Cal Tjader llegó a la ciudad desde San Francisco. Cuando fui al local a ver su show me encuentro que ese hombre estaba ahí hablando con Cal. ¡No lo podía creer! Cuando me ve, le dice: “Oye Cal, ahí está ese muchacho del que te hable, se llama Poncho Sánchez y toca muy bien”. Entonces Cal me dijo “Poncho, este amigo mío me dice que tocas muy bien, ¿quieres tocar con nosotros esta noche?”. Yo dije: “¡¡ ¿esta noche??!!”. “Sí, te voy a llamar al stage a tocar esta noche”. Yo no lo creía, ¡era demasiado!; pero subí al escenario y toqué unas dos o tres selecciones con su orquesta y me dijo “Poncho tocas muy bien , dame tu número de teléfono” y me llamó y me dijo “yo quiero que toques con mi grupo”. Y fíjate Eduardo estuve con la Orquesta de Cal siete años y medio. Y gané un Grammy en 1980 y fui nominado en 1982 con su grupo, grabé como diez discos y estuve con él cuando murió de un ataque de corazón en Manila, Filipinas. Yo estuve allí con él.







ES: Eso fue en 1982, el Grammy lo había ganado Cal Tjader con el disco “La Onda va Bien”







PS: Es así…







ES: Y también participas en todas esas grabaciones incluyendo una con Carmen Mac Rae







PS: Esa fue su última grabación; después de esa grabación él murió.







ES: El disco era Heatwave ¿no?







PS: Sí; el Heatwave…







ES: Me imagino que tuviste una serie de experiencias muy gratas con Cal Tjader. ¿ Cuál crees que fue la enseñanza más importante que te dejó Cal?







PS: Fueron muchas cosas que yo aprendí de él; era “muy buena gente”. Fíjate que era americano, era “sweedish”, era güero, pero le gustaban todas las cosas de los latinos, la comida, la música, el baile y las mujeres latinas. Le gustaba todo lo latino aunque era un americano muy güero, y no hablaba español pero tocaba con tanto sabor, muy sabroso…







ES: Poncho cuando estuviste esos siete años y medio ocupaste el lugar de grandes percusionistas entre ellos Mongo Santamaría que fue conguero de Cal Tjader en los 50s







PS: Sí; Mongo fue gran amigo y gracias a Cal Tjader yo conocí también a Tito Puente, Patato, Ray Barretto, Candido, Francisco Aguabella, Tata Güines. Mongo era tan amigo mío que mi primer hijo que ya es hombre tiene 38, se llama Xabier Mongo Sánchez y tengo otro hijo de 28 años y se llama Julián Tito Sánchez por Tito Puente. So Mongo y Tito fueron tan grandes amigos míos que les puse sus nombres a mis muchachos.







ES: Yo recuerdo que tuviste a Mongo Santamaría como invitado en el disco Conga Blue y después le dedicas un tema “El Tambor de Mongo” donde está invitado Francisco Aguabella…







PS: Sí, y Francisco se murió también. Todos ellos eran los más grandes músicos y eran mis favoritos congueros, que tocaban las tumbadoras. Son mis grandes maestros y grandes amigos. La última vez que Mongo tocó fue con mi grupo aquí en Nueva York donde estoy ahorita. Fue en el Carnegie Hall.







ES: Poncho, antes de que empezaras tu carrera como solista hay unas grabaciones de unos discos que titulados Straight Ahead y Poncho que se recopilaron hace unos años en un CD que se llama Gaviota. De ese grupo original, que graba esos discos antes de Concord, hay un percusionista peruano que es Alex Acuña. ¿ Qué me puedes decir de él, no sé si lo sigues viendo, qué opinión tienes de nuestro compatriota?







PS: Todo el mundo sabe que es un gran músico, “muy buena gente”. No lo veo hace como seis meses, pero sale en todos los discos y revistas de percusión porque es un gran músico, uno de mis percusionistas favoritos.







ES: Al poco tiempo que fallece Cal Tjader en Manila tú firmas contrato para Concord y “tomas la posta” del grupo de Cal para empezar Poncho Sánchez y su grupo. En otros casos similares, quien continúa la orquesta mantiene de alguna forma el sonido y el estilo de su antecesor. Pero en tu caso nunca llegaste a usar el vibráfono y armaste un grupo con vientos, con trompetas y con trombones. ¿Cómo tomaste esa decisión respecto al formato de tu grupo?







PS: Fíjate Eduardo, yo toqué siete años y medio con la orquesta de Cal Tjader y yo quería mucho su música, pero nadie puede tocar el vibráfono como él; no es fácil que alguien toque así. Cal Tjader era el mejor en todo el mundo y yo no podía hacer un grupo como su orquesta, tan bueno como él. Así que pensé sacar un poco la idea del grupo de Cal y su música, pero me gustó también la orquesta de Mongo Santamaría. Tenía vientos, saxofón, flauta y trompeta y yo pensé en un saxofón, un trombón y una trompeta. Así puedo tocar Jazz Latino y Salsa, porque el trombón es muy importante en la Salsa. Así que agregué los vientos, los horns y así fue creciendo el sonido y la música de Poncho Sánchez, con todas las ideas de los grupos que me gustaban.







ES: Y esos primeros discos están entre mis favoritos de siempre. Yo empezaba a escuchar música y a Perú llegaban vía los programas especializados, esos grandes discos como Sonando y Bien Sabroso. Me acuerdo que en Sonando me gustaba mucho el tema “Este Son”, que escribiste con Perico Hernández. Y toda esa música, “Con Tres Tambores Batá”, “Sin Timbal” y después de esos dos grandes discos viene otro gran LP titulado El Conguero. Me acuerdo muchísimo de ese disco donde está “Yumbambe”. Yo quería felicitarte porque desde el comienzo empezaste en un gran nivel con tu música y como la Salsa entraba a una onda más romántica, la gente a la que nos gustaba la música más tradicional, encontró en los discos de Poncho Sánchez y de Tito Puente (que eran los dos estandartes de Concord en el Latin Jazz) una especie de “refugio” ante ese estilo nuevo estilo que no era quizás del agrado de muchos, la Salsa Romántica.







PS: Es correcto Eduardo ¡Gracias! En ese tiempo entró mucho la música romántica, pero a mí me gustaba “la música de verdad”: el Jazz, el Jazz Latino, y la Salsa. Pero la “Salsa de verdad”, y por eso estaba y todavía estoy en eso, porque me siento muy bien en el jazz latino, la música Afro-cubana y la Salsa y el Soul Music, Latin Soul.







ES: Poncho ¿sabes que acá en Perú hay un señor que se llama Roy Rivasplata, quien tiene un programa de Salsa y Latin Jazz hace más de veinte años y cuyo tema característico es “Quindembo”, que está en tu disco Papá Gato?, ¿sabías eso?







PS: No, yo no sabía eso. Ese número “Quindembo” está escrito por mí y por Charlie Otwell, quien me ayudó porque yo no escribo música, pero tengo bastantes composiciones. “Quindembo” tiene un poquito de Jazz Latino, y tiene sabor de África. “Quindembo” significa comida africana, tiene un poquito de todo.







ES: yo creo que Roy va a estar muy contento de escuchar esto, pues ese tema ha caracterizado su espacio musical y es uno de tus grandes temas. Poncho, tú eres percusionista y un estandarte del Latin Jazz, pero de repente en algún momento escuchamos a Poncho cantar. Recuerdo “Baila mi Gente”, que puede ser quizás el primer tema en el que te escuchamos cantando, en el disco Fuerte.







PS: ¿Sabes qué, Eduardo? Yo fui cantante cuando estaba muy joven, en los grupos que estaban cerca de mi casa. Cantaba mucho la música en inglés, música de James Brown, Wilson Pickett, Otis Redding, Los Temptations, Motown Sound, esa clase de música. Fui cantante cuando estaba joven y cuando empecé con mi grupo tocábamos pura música instrumental. De pronto la gente me dice: “Oye Poncho, ¿no vas a cantar?” y yo digo “No, este es un grupo de Jazz pero con sabor latino”. “¿No puedes cantar una selección de Salsa?”. “Bueno, vamos a hacer un poquito de Salsa también”, porque el público quería escucharme cantar Salsa. Por eso puse los temas de Salsa y ahora no puedo hacer un show si no canto. Todas las noches piden “Yumbambé”, “Coco Mai Mai”, “Cuídate Compay”, “El Conguero”, todos esos temas todavía me los piden, pero también el Jazz Latino.







ES: Y ahora que hablas de tus presentaciones, tus discos en vivo también fueron muy importantes, yo recuerdo Una Noche en Kimball’s Esat, que tuvo su segunda parte en el disco A Bailar y años después sale el disco Latin Soul, que justamente es el ganador del premio Grammy, que también recoge algunas presentaciones en vivo. Es muy importante esa interacción que tienes con el público cuando no solamente te ve tocar la conga sino te escucha cantar…







PS: Es verdad y gracias a Dios sigo con mi grupo tocando por todo el mundo. Apenas llegamos de Miami, Florida, y ahorita estamos en Nueva York; vamos a tocar en Seattle, Washington. Viajamos por todo el mundo hasta Japón, New Zealand y me siento muy bien y puedo todavía cantar y tocar.







ES: Estaba repasando tu discografía, la cual tengo completa porque soy fanático tuyo, y una de las cosas que más me llama la atención es la lista impresionante de invitados que han tocado contigo: te mencioné a Freddie Hubbard que es el compositor de “Crisis” en tu último disco, contigo han tocado Eddie Harris, The Jazz Crusaders de Wilton Felder y Wayne Henderson en el disco Freedom Sounds. Ha estado Diane Reeves, una vocalista muy importante norteamericana ella, Terence Blanchard, los hermanos Ortiz en el disco Soul of the Conga. Ha estado Chic Corea en el disco Latin Spirits, Ray Charles, Pee Wee Ellis, Fred Wesley de la Banda de James Brown, Billy Preston, Sam Moore. Ya mencioné a Mongo, a Francisco Aguabella, Dave Samuels también está contigo en el disco en Montreaux. Hugh Masekela de Sudáfrica, Tower of Power. Varios se van a sorprender si les digo que también estuvo Andy Montañez, quien canta “El Agua de Belén” en tu disco anterior Raise Your Hand. ¿Cómo haces para congregar a tanta gente de diversos estilos musicales y que todos estén a gusto tocando contigo?







PS: No es fácil (risas), pero me gusta toda esa clase de música. Siempre quiero hacer algo nuevo, pero con sabor y todos esos músicos eran y son los más grandes, como Eddie Harris y Ray Charles. Ellos son los más grandes del mundo y gracias a Dios cuando yo quiero invitarlos, mi compañía (que se llama Concord) me dice, “Ok Poncho, si quieres que ellos toquen contigo, a ver cómo sale”. Y sabes muy bien que no es fácil porque es mucho dinero para hacer esas cosas, pero gracias a Dios ellos quieren tocar con nosotros, nos ayudan mucho y pasamos un buen momento con todos. Me siento muy orgulloso de haber tenido a todos esos grandes músicos en mis discos.







ES: A mí me sorprendió mucho ver a Andy Montañez en “El Agua de Belén”. Dime, ¿alguien tefalta? ¿Has pensado en alguien como próximo invitado en tu disco?







PS: Todavía falta, hay tiempo. Pero para el nuevo CD que vamos a grabar este año voy a hacer un tributo a Dizzy Gillespie y Chano Pozo. Vamos a hacer algunos arreglos de su música y va a tocar Terence Blanchard de New Orleans. La vida y música de Dizzy Gillespie y Chano Pozo, en el nuevo CD







ES: ¡Qué bueno Poncho que nos des esa primicia para los amigos de El Salsero!. Tú estuviste en Perú hace muchos años, en la década del noventa, ¿te acuerdas de esa visita a Lima?







PS: Seguro que sí, me gustó mucho Lima y la gente fue muy buena conmigo. Me acuerdo de unos muchachos, seis o siete muchachos que fueron al aeropuerto. Llegué a las 6 de la mañana y esos muchachos estaban en el aeropuerto y me dicen: “Maestro Poncho, Maestro Poncho!” y la gente me dice “mira Poncho, los muchachitos están preguntando por ti” y yo dije “pero yo no conozco a nadie aquí” (risas) y me decían “Maestro, yo soy fanático de tu música”. Yo tenía unas camisetas y unos CDs y le pregunto a uno de ellos: “ ¿vas a ir al concierto esta noche?” y él me dijo “oye Poncho, eso cuesta mucho dinero”; entonces yo le dije “espérame en la puerta yo llego a las siete de la noche y van a entrar conmigo todos, eran como seis a siete muchachos. “Está bien Maestro”. Cuando llegué al concierto habían policías en la puerta y les digo “¿hay unos muchachos aquí esperándome?” y me dicen “Sí señor Poncho, pero eran muchachos del barrio y los corrimos”. “No, no, no, ellos vienen conmigo, ¿donde están?”. Me dicen: “pues yo creo que están en la esquina” y les silbé: “Hey muchachos” y sacaron la cabeza. Yo les decía “vengan, vengan” y me decían: “¡el policía!”; “No, no tengan miedo, entren conmigo,”. “Oh, Maestro, gracias, gracias”; y estuvieron todo el concierto y comieron nuestra comida y pasé un muy buen tiempo con ellos. Nunca me voy a olvidar de eso.







ES: ¡Qué buen recuerdo! La última pregunta, ¿Eres consciente que con 35 años de carrera musical y habiéndote nutrido de nombres grandes como Cal Tjader, Tito Puente, Mongo Santamaría, ahora tú también forma parte de esa lista grande? ¿Cómo sientes la responsabilidad de continuar esa tradición musical de música afrocubana con ese toque de Jazz? Te lo digo porque pienso que Poncho Sánchez ya está a la par de esos nombres grandes. ¿Eres consciente de eso?







PS: Muchas gracias por eso. Estoy muy orgulloso de estar en esta carrera, porque llevo esta música por todo el mundo y por eso doy las gracias a Cal Tjader, Tito Puente, Mongo Santamaría , Celia Cruz, John Coltrane y Dizzy Gillespie. Ellos fueron los pioneros, los primeros que salieron con esa música y ahora Poncho Sánchez vive con esa música y gracias a Dios, a todos ellos y a todos ustedes que les gusta mi música. Quiero mandar un saludo con mucho cariño a todo el público en Perú, en Lima, y espero ir otra vez allá algún día.







ES: Seguro que sí Maestro, felicitaciones de nuevo por el último disco, suerte en los Grammys (que serán dentro de muy poco) y el aprecio y el cariño de todos los conocedores y aficionados de la música latina acá. Gracias por la atención y por favor un saludo final para la gente de la Radio de El Salsero







PS: Gracias Eduardo y a la Radio de El Salsero quiero mandar un saludo para la gente allá. Los quiero mucho y Gracias por escuchar mi música.







Transcripción por Norma Livia